1 ) 想象中的完美
找到这部电影的初衷是在搜索公路片,当然之后与怪才导演大卫林奇(脱离性,毒品,暴力不能表达的导演),尼古拉斯凯奇(同时生产垃圾电影和好电影),劳拉邓恩(前一步是美丽新世界)相关,就更能让我产生兴趣。我个人觉得对于美国电影,公路片是表达人情感和自由追求的必要选择。这种感觉之处还是我在看杰克凯鲁亚克的《在路上》找到的,美国移民国家,以及追求自由作为立国之本,给了其人民最大程度的追求个人自由的权利。作为高等动物,人其实没有低等更幸福,因为建立在高智商下的欲望其实并不能简单的表达,思考本身就是人类痛苦的原罪。在人成长的过程中的经历,作为自然本性必然遭受不断的挤压,扭曲,引导,产生的结果就是或高或低,或多或少的难以释放的压抑。而公路片给了导演很好的媒介去充分表达叙事的手段。往往男女主人公在无法厘清生活的时候,会跳上汽车上路,寄希望能在路上或许在奔向的未来中需求到生活解释和精神寄托,而在陌路上,偶遇,性和暴力是这种精神之旅中最好的画笔,它们残忍和生动的给主人公做了生动的精神解剖,本片中男主人公背负这谎言和黑色过去的精神压力,女主人公同样被不时闪现的过去父亲自焚,被父亲朋友强暴的痛苦回忆所时时刺痛。他们互相用性来充分释放着对生活的不满和困惑,寄希望与在肉体的极致满足中获得解脱,然而现实之中,这不过是短暂的瞬间,必然让人们从高潮中获得的虚幻中重回人间。而爱情本身仿佛是枷锁和负担,人的自然本性对其的渴望,与现实不得不小心翼翼不敢触及,然而这种精神与行为的脱离本身带来了更大的痛苦和潜在不满足。本片其实给出了happy ending,当男主角站在车顶与女主角,想拥而泣之后,唱起“温柔的爱我”的时候,仿佛是两者终于找到了自己生活和精神的寄托,这首歌是男主角对纯净爱情的信仰,是曾经对自己真正生活伴侣的承诺,而女主角也是在痛苦和虚幻中追求幸福极致的象征。
2 ) 抢戏的配角
威廉.达福一口烂牙的挑逗劳拉.邓恩,在邓恩即将性兴奋之际嘎然而止,只留下一裤子淫水。威廉.达福就像《蓝丝绒》里的恶棍弗兰克一样,粗鲁、暴力,又充满喜感,浑身上下散发着高级的恶趣味。当凯奇与邓恩第一次见到达福时,身旁坐着的有另外两个熟面孔,一个是《致命ID》里的人格分裂胖子,一个是贾木许的御用男将范佩西,呃不对,叫约翰.劳瑞,话说他和范佩西实在太像了,不论从脸到身型体态再到气质........影片里另一个有意思的角色便是哈利·戴恩·斯坦通,他在《德州巴黎》里的忧郁执拗形象深入人心,而在本片里则是一个出场不多、陷入爱情、死得梦幻的舔狗角色。他喜欢邓恩的母亲,帮助她的母亲寻找她和男友凯奇的下落,当他得到邓恩母亲的吻时,那个得瑟的劲儿像个陷入热恋的初中生,结果没过多久就被一枪爆头了,死前还要被绑着“欣赏”一对浓妆艳抹、妖娆多姿的神经病男女的情色表演,这一段相当的恶趣味……本片和《蓝丝绒》在林奇的作品里算是一对兄弟片,都是单刀直入的叙事加上节外生枝的恶趣味,不像后来的作品那样玩弄梦境与精神分析。凯奇与邓恩这对流浪鸳鸯在影片里最擅长的事情就是做爱聊天,大段大段的打炮桥段展现着邓恩的诱人酮体。其他人则是为了找到他们而大费周章,邓恩的母亲为了拆散他们也是快要濒临崩溃了。其中死法最又个性的毫无疑问又是暴躁老哥威廉.达福了,他在被警察击中后倒地又被自己的来复枪爆头……看看他的职业生涯都经历了什么,先是在本片里自我爆头,又在《反基督者》里jj被撸出血........影片最后倒是温馨浪漫了一把,我心狂野的凯奇放弃了放浪走天涯的生活选择和邓恩以及他们的孩子开始新的生活,不知道林奇是不是觉得太过正能量,于是在往后的作品中遁入黑暗。
3 ) 淫欲、金钱、恐惧——爱情的史诗级阐释
爱情是一种信仰。
在“上帝死了”以后,没有什么可以担当的起这个信仰崩溃时代的灵魂体验。精神的追求随着自我的贪欲和恐惧不断的摇摆,物质的诱惑和权力的压抑让自我变得无所适从。人们内心深处的暴力与温柔不断的交织,而只有爱情,才能引导人,走出自我的黑暗,打破权力的禁锢,找到一线光明。
然而,爱情又是脆弱的。当心底的恐惧裹挟着淫欲迎面袭来时,当自我的贪欲不断物化时,爱情瞬间崩塌,权力伸出她温柔的双臂,紧紧地将你抱紧,让你窒息。
“this whole world wild at heart and weird on top”这就是这部电影所描述的主题。
现象不断的变化,人们在这些荒诞的戏剧中不断的迷失,就好像这部电影的观众。
从总体的叙事结构来说,这部电影还是采取了经典的结构。主角是塞勒和卢拉,其他的角色都是这两个主角的延伸,他们并不是因为某种故事的需要,而是为了完善主角的特性而出现。如同唐璜的仆人是为了完善唐璜的极端感官性(或称淫欲),堂吉诃德的仆人是为了完善他的英勇和单纯。
这个关键的人物,在电影中叫波比。他一出现,电影的气氛便由狰狞和恐怖变成怪诞。
他勾引卢拉的那一段中,卢拉看到了她的内心,因淫欲裹挟着恐惧。恐惧如同淫欲的催化剂,让自我消失在恐惧的狰狞表情之下,淫欲变如泉水般喷涌上来。少年的阴影又加深了恐惧的体验,回忆回游到那个恐惧的源头,那里,是淫欲和恐惧同时征服了自我的地方。于是,恐惧便如催化剂使淫欲如火焰般高长,并在火焰烧过的地方,留下黑色的焦土和自我憎恨的泪水。
他引诱塞勒朝着金钱的味道走去,在贪婪的诱惑下,“easy money”成为灵魂的方向,它指引着塞勒的灵魂朝着异化的快乐方向。爱情在这一刻被贪欲打败,自我在彷徨不知所措中落入黑暗的陷阱。塞勒心底里的暴力被唤醒,由他的怒吼爆发,如同火柴燃烧般迅速占领了他的自我。
自我深处的暴力,在影片的一开始就通过血腥的方式表达了出来。塞勒疯狂的动作,满地的鲜血和他嘴边的一丝微笑,都在这里成为展示人性底层罪恶的图画。
卢拉的母亲,是自我追求权力与控制的象征。自我因淫欲点起自我毁灭的火焰,如妓女换夫般的更换权力者,以期达到她控制一切的欲望。那些被她摒弃的权力者们,不是被她用火焰吞噬,就是被权力的恐怖自戕。而权力,不正是这样吗?一直和淫荡如影随行。连自身的恐怖,都如同欲望饥渴的吼叫。
但是,这并不是本片根本的主题。这部无疑书写着爱情神话的电影,其最终表达的仍是如“真爱无敌”般的爱情崇高的神性。
我们对爱情顶礼膜拜,歌声是爱情信仰的弥撒;鲜花是爱情上帝的圣餐杯;而性,则是圣餐中最甜蜜的葡萄酒。
这一切,都在电影中不断的出现呈现,只是鲜花变成了80年代刺眼的红唇。
而在诸多权力的阻碍和自我迷失之后,内心的狂野也在现象的迷宫中走失。当塞勒面对自己爱情的果实时,竟会觉得陌生,也没有任何办法重新拾起那段似乎燃尽的爱情。
但当他重新回归真挚的自我的那一刻,他心中的仙女又一次点燃了他内心的狂野火花,重新找到了爱情美丽的信仰,并回到了永恒的幸福乐园。
权力却因爱情的神性与永恒,撕下了美丽的魔鬼面具(仅仅6年便苍老到难以置信的地步),在爱情燃烧的火焰中化为绝望的尘埃。
这部关于爱情神性的影片,无愧于林奇最伟大的称号。
不喜欢这部电影的人们,对不起,这部电影是史诗级的。
4 ) 一部备受忽视的金棕榈电影
说起大卫·林奇这个如雷贯耳的名字,许多影迷自然会想到他那些风格强烈的代表作如《穆赫兰道》和《双峰》,或者是更早期的《橡皮头》和《蓝丝绒》。然而,很少人会提及《我心狂野》。这部电影的影响力远远逊色于《穆赫兰道》,甚至是《蓝丝绒》,这在戛纳历史上或大卫林奇的作品里都是相当罕见的。今年恰逢影片上映的30周年,让我们重温这部备受忽视的金棕榈电影。
《我心狂野》在1990年的戛纳电影节上首映,据说遭遇猛烈的嘘声与喝倒彩,那一届入选竞赛的作品强手如云:戈达尔的《新浪潮》、艾伦帕克的《来看天堂》、小栗康平的《死之棘》等等,而在颁奖礼前夕问鼎金棕榈呼声最高的是法国电影《大鼻子情圣》。根本没有人能料到美国导演能接连拿下金棕榈(1989年花落索德伯格的处女作《性·谎言·录像带》)。这部作品最后以黑马姿态登顶的最大功臣绝对要归功于当年评审团主席贝托鲁奇,他的独具慧眼和排除万难力荐,或许让当年甚至当下的观众和影评人深感困惑不满,却提前预示了电影史上一位伟大导演的诞生。这一点是无可置疑的,因为在《我心狂野》之后,大卫·林奇的每一部作品都顺利入围戛纳竞赛单元,独领风骚整个90年代!
影片以火柴头擦出火焰的特写拉开序幕,配乐是老搭档Angelo Badalamenti悠扬而振奋人心的弦乐,这个具有象征意义的划火柴画面在片中反复多次出现,在此已浓缩呈现了整部影片的主题,更提前暗示了极其关键的一处情节。演职人员表之后就是那个令人震惊的暴力场景,如此血腥的开头在影史上是不多见的,这个突如其来的暴力场面准确塑造出男主角的性格和心理状况,也由此奠定了这部作品怪异与残暴的美学风格。要知道的是,这种正面刻画暴力的展示此前只出现在制片厂电影里,独立制作电影里甚少见到。而林奇和稍后昆汀的《落水狗》则不自觉地打破了这种惯例,掀起90年代独立电影的暴力美学热潮。
《我心狂野》有着公路电影的框架,讲述年轻叛逆的女主角不管母亲的反对,与假释期的男友驾车,展开一段从恐怖角(Cape Fear)到新奥尔良,再到得克萨斯的私奔旅程。两人一路上放浪形骸,却摆脱不了母亲派来的杀手追踪,以及遇上一系列稀奇古怪的人物。这个老掉牙的主题更像是罗密欧与茱丽叶的后现代版重新演绎,除了过火的暴力之外,还有露骨的色情刻画。男女主角两人在不同的汽车旅馆里发生关系的场景用五光十色的滤镜拍摄,呈现出高级而脱俗的情欲气息。然而,最大胆的创意是林奇引用经典童话《绿野仙踪》,植入到人物的对白和动作里:水晶球、女巫、女主角遭遇侵犯后双脚并拢的姿态,以及最后从天而降的仙女等。这种笨拙的致敬手法给影片带来意想不到的观感,混合着诙谐与阴险、纯真与邪恶的怪异氛围,一直弥漫着这个超速前进的公路片类型文本。
林奇用突兀的剪辑方式,漫不经心的倒叙和回忆闪回画面,以及充满肥皂剧味道的戏剧转折,呈现出一个光怪陆离的世界,各种疯狂怪诞的人物和关系接踵而至:极端对抗的母女关系、丑陋肮脏的买凶杀夫手段、残疾沦丧的杀手、车祸里垂死的女人,威胁女主角的变态男人……似乎只剩下男女主角两个正常人的角色,他们唯有依靠爱情的力量去抵御和反抗这个疯狂无理的世界。尽管他们在舞池里和高速公路上的舞姿充满了幼稚和狂妄,尽管男主角先后两次被激情和愚蠢冲昏头脑而琅珰入狱,尽管女主角只喜欢听男主角模仿猫王的老套情歌,但是在这些激情四射的情节里,我们才能真正感受到这个怪异扭曲的世界里最纯真美好的一面。
大卫·林奇在《我心狂野》里并没有建构出一个封闭的世界,像《蓝丝绒》、《双峰》那样的小镇,公路片类型的文本延展出一个刻意拼贴而目眩神迷的世界。这种碎片化的世界观自然体现在影片的叙事和美学风格里,各种类型在这个生动的文本上交叠覆盖。除了最显眼的公路片和爱情类型,还有音乐类型的脉络,重金属摇滚、古典管弦乐、蓝调布鲁斯等不同风格的配乐制造出情绪起伏不定的氛围感。
演员的表演则或多或少充满了怪诞的喜剧色彩,这相信与林奇钟情的《绿野仙踪》有密切关系。在愈加失控的叙事节奏和情感表露里,这俨然已成为一部邪恶版的成人童话,不时露出其阴险的魔爪,惊现一副涂满红色唇膏的脸孔,女主角与母亲夸张的尖叫看来其本质是相同的。男主角尼古拉斯·凯奇的发型和凌空踢腿的骇人舞姿,威廉·达福实施抢劫却被离奇爆头的一幕,均给影片增添上意想不到的诙谐漫画感。
这显然不是林奇导演生涯中最完美的作品,它没有《穆赫兰道》、《妖夜慌踪》的神秘晦涩,也没有《双峰》般峰回路转的情节,但其桀骜不驯的姿态却一早预示了林奇日后成熟美学风格的到来。意大利导演贝托鲁奇独具慧眼选择了这部为金棕榈大奖的原因也许在于,他在《我心狂野》中看到了自己早年作品里的挑衅和叛逆态度。这对于所有伟大的电影导演来说,无异于惺惺相惜的宝贵一刻,而对贝托鲁奇来说,更像是对新锐后辈的私心鼓励。
5 ) 重看Wild at Heart
首先说视听体验,片中几个角色的南方口音特别是Laura Dern的,以及配乐尤其是在new orleans的那几段和Nicolas Cage结尾的一曲love me tender,对我就已值回票价。
除此之外,我把除了情侣主角之外所有的角色理解为他俩不同自我的投影——浓妆艳抹的女主角母亲,她的老情人们,几个杀手,公路边将死的人,德州牛仔。。。正是这些内心中不同的“我”的冲突构成了故事的戏剧性——这是他很多作品的基石。但最有意思的是,和很多导演不一样,林奇在表达这些冲突的时候,不会用比如:脑中回响的两个或者多个声音,也不会设置一个镜像人物等等。他的方法是,运用具体的人物或者道具——比如本片女主角的母亲。这种运用的结果是使得戏剧冲突具有双重属性——既是显性的,又是隐形的。真实在于她确实有这么一个母亲,她确实可以去雇佣那些杀手,从而发展出一系列的冲突,而虚无则在于,这个母亲其实只是“我”的一个投影,所以她所有的行为,打电话劝女主角回来,和老情人诉衷肠等等,都是“我”和“我”的挣扎而已,所以在片尾“她”在相框中消失了。再比如,片中频频闪过对水晶球的窥视,在显性层面,显而易见来源于女主角频频提到的女巫故事,而在隐性层面上,这个窥视水晶球的正是他们自己——”我“。可能正因为这个特点,造成了理解林奇某些作品的困难——妻子和我一起看完这片子后说一句“what the hell happened?" XD
至于片子到底要说什么,我认为很简单——爱情。所有那些不同的“我”的冲突便是面对爱的踌躇和挣扎,正如最后小仙女对男主角说的那样,心中真正的狂野就是去追逐梦想,不要害怕——
——"don't turn away from love"
最后再提一下,Laura Dern在片中以高挑的身材,极白的皮肤,金发再配上抹得极浓的正红嘴唇出镜,一如17年后的《内陆帝国》。由此可见林奇对于女性审美偏好的坚持,幸运的是,我正好这口。
6 ) 原来cage是这样出名的
一直没搞清楚NICOLAS CAGE为啥挺红的
原来他的成名作是这部WILD AT HEART
(我认为,虽然leaving las vegas得了奖)
小混混演得很传神
跟他以后的戏路完全不对嘛
不过回想起来
CAGE的眼神一直没有脱离过这部电影的影响
没想到一部电影可以包含这么多复杂的内容
还好最后两人圆满大结局
虽然充满了暴力血腥
但是还好有LOVE
喜欢其中的音乐和视觉处理
有点诡异
却也真实
谁的内心不是狂野的
平时都不面对而已
非商业电影里的佳作
儿童片,讲爱情讲邪恶力量都跟圣斗士星矢差不多。狂野啥?除了爱得太童话,其他啥子都看不出来。另外女主角长得太讨厌,看《蓝丝绒》的时候就觉得她惨不忍睹,怎么David Lynch那么爱用她,真欠揍的一张脸。
大卫·林奇执导的获戛纳电影节金棕榈大奖的异色之作。这是一部暴露美国阴暗面的公路电影,内容充满色情、暴力、血腥各精神错乱的幻想,映象处理天马行空,极尽狂野之感。本片着重的是一个狂乱的心灵如何因爱情的浸润而被“驯服”,结尾尼古拉斯·凯奇演唱猫王的金曲也很是深情。
这是林奇最好的爱情片 是我最喜欢的凯奇
2.5 无论肥皂剧、公路片或者黑色电影亦或任何形式,都不能靠近作者真正心中所想,那所谓作者恐怕不是甚至不能算是一个借口,不被人拒绝的最好方法就是先拒绝别人,但Love Me Tender的温柔又间接暴露了林奇老师希望说心里话的内心,真是别扭的萌.....
风格极强,结尾俗艳得几乎艺术
大卫林奇一部比较少见的按常规叙事的电影,斩获戛纳金棕榈奖。依然是林奇代表性的风格:各种黑色元素、性、暴力、精神错乱充斥其间。尽管过程给人恍惚和荒诞的感觉,结尾突如其来的童话仙子和美好的大结局却让人怀疑这是否是林奇的作品。很多线索未展开,但凯奇和劳拉邓恩的演技很出色。(8.0/10)
又看了一遍,尼玛有条评论笑死我了:“我记得大学的时候看过一个烂片是尼古拉斯凯奇演的。他最后会唱love me tender。结果直到我刚刚看完,又唱这个歌。我才知道自己是又看了一遍。”
那些坏人,梦,公路,幕后的黑手和女歌手,舞台,性爱,死亡,幻象那些噪音,那些变形的摇滚,那些梦幻般的女声,呓语和咒语已经谙熟了所有元素,lynch你也疲软了吧~~
威廉·达福在挑逗戏里不断通过言语唤询劳拉·邓恩的性意识和受虐幻想(她和凯奇做爱时那种满足溢出身体的模样可见),并强迫她用言语表达(说"fuck me")。在她说出口的那刻,即幻想即将被唤出的那刻,达福突然转向说“下次”,将幻想强行掐断并塞回去,创造了一个如何给人毁灭性打击的方案。
爱、欲、谎言、阴谋、罪恶、死亡、控制与反抗,所有人都有意无意地被卷入混沌的漩涡;浓烈的色彩、乖张的表演和狂暴的风格化其实是面哈哈镜,倒映的就是这个世界,不过呈现出更加异样的形态。
“那私家侦探有多聪明?他能在华盛顿找到一个诚实的人。”……其实这是一部“反新黑”。过往的好莱坞新黑叙事总以私侦为尊,故事几乎完全由其行动和视角展开,角色塑造也几乎由他包办。至于其探侦目标,诸如豪门千金失踪之谜,从来只作为旁支或结论给出,简单追溯原委了之。林奇颠覆了这套模型。片中私侦,一式两份,却沦为配角甚至龙套,故事主线布设在我心狂野的浪子富女这边,且持抑旧扬新的立场,其间穿插了林式风格的各种奇景怪咖迷幻梦境……可即便如此反讲,新黑框架仍在,这故事的头绪脉络还是过于规矩清晰,以致很多观众感觉混搭得不够协调过瘾。林奇显然注意到了这个问题,之后不再以传统架构作为故事载体,而是改为朦胧混沌之筐装扑朔迷离之料,最终达到了调性意境的统一。妖夜慌踪,穆赫兰道。
不要惧怕有颗狂野的心,因为我也期待与你在金色的麦田中热舞。爱会让我们回归,Just love me tender
美学上噱头压倒了剧作吧。这个片子似乎很适合用作者论来辩护,一位作者最差的电影也要比一个平庸导演最好的作品,来得“有趣”。。。1990年戛纳主席是贝托鲁奇。
D+ / 是依然有那些林奇的元素,但是爱情故事尬到结尾实在是受不了了。所谓的美国社会讽刺也不过是青春年少眼里的浮光掠影。比类似的天生杀人狂优秀的点在于整体维系着统一的风格与表达诉求,但还是宁可重看前者十遍吧。劳拉邓恩依然一哭起来就成表情包。目前最不喜欢的金棕榈和林奇。
尼古拉斯·凯奇和劳拉·邓恩两个飘男荡女,像沙子般散乱,像风一样抓摸不定。才知道原来是大卫林奇,怪不得如此黑色奇迷。“这世界内心狂野,头脑发热。须在山穷水尽前潇洒走一回。”7.9
林奇一贯的迷幻,却没有一贯地难懂。异常纯情,令人吃惊。还有各种向绿野仙踪致敬。他拍了几十年电影,是不是就认识了那么几个演员。。。双峰各种客串。。。
过于玩票,让这部片子看起来不伦不类。
大师都是心中有爱的,但这是我私人的五星,绝对不推荐给所有人。
大卫林奇无聊。两个女人太丑。威廉达福的扮相还能更恶心一点么。擦
这次大卫林奇没有如此诡异了,凯奇和女主的身板一分,达福叔叔强大气场一分虽然最后自己爆自己的头了,德州小镇绝望的气氛和新奥尔良the house of rising sun一分,音乐一分。其它做的是一般。我出生年的坎城金棕榈呐。