淘金记

小人物的喜怒哀乐，戏谑嘲讽之中窥见当时的社会形态，诸多经典桥段一直被模仿却从未被超越，可以看见一代喜剧大师的表演风格雏形，不过整体而言剧本略显薄弱，与后来佳作相比稍显生涩。但无疑，以小见大、悲剧色彩和命运交错的风格依旧亮眼。四十年代旁白配音版打卡。
如果一个黑白无声电影能令人时而悲悯时而欢笑津津有味还能带些现实批判意义，那就是charles chaplin，他似乎讲述着永远不会过时的喜剧和永远不会过时的悲剧，本片饱含着对美国早期探险者的辛酸敬意，叙述出属于观众的美国梦，其小丑情结不断描绘着比一般人差一点的滑稽美学，自黑自嘲当认祖师，人性的贪婪，爱情的苦恼，在审丑中转化成更强烈地向往真善美，在一部电影中汇集所有这些品质，足以仰视真正的影像大师，最懂得喜剧的忧伤。

前两天，朋友告诉我，家乡已经下雪了。首先让我想到的画面，并非那些零乱的雪花飘散落地，随后被跌跌撞撞的人们不经意地踩踏，与整个城市的肮脏一并化作泥泞的污水，而是妈妈正独自坐在北屋，看着电视，手头上忙活着她那些永远也织不完的毛衣，尽管此时的北方已经供暖，但晚秋的凄凉与初冬的乍寒交迫相加，让人孤寂。

忙乱的南方也已天气转凉，身边的人，一个接一个地被感冒所困扰。心里琢磨着，原来这里也并非四季如春，与荒凉的北方相比，唯一缺少的，竟是白雪的苍茫与俩俩相靠的温暖。

最近我很少看电影，或许是想到雪的缘故，我想起了前一阵看过的《淘金记》，这是卓别林大师最优秀的作品之一。说到卓别林，大概人们第一个冒出来的念头就是喜剧，没错，他是一位地地道道的喜剧大师，他的幽默无人能及，他是无声电影时代的传奇。我喜欢卓别林的滑稽剧，看的次数越多，越能体会出什么是活着的幽默，从捧腹大笑到满脸严肃，仔细一回味，真是难以想象，面带轻微的笑容，到头来却是悲伤。

怀揣梦想的流浪汉，只身来到传说中遍地黄金的异乡客地，这里所见到的并非垂手可得的宝藏，而是气候的酷寒、食物的短缺以及人性的磨难。梦想是多么遥远的啊，先要解决的还是温饱问题，面对冰天雪地的残酷，战胜寒冷与饥饿也要战胜自己。雪水煮靴子，此乃一锅丰盛的晚餐，鞋底如汉堡，鞋钉如鸡骨，鞋带如面条，吃者无心，见者恶心。但这对于为了生存下去的人来说，却是一顿坚毅顽强的精神大宴。此外，还要经受更加残酷的考验，无助幻觉中犹如鸡状的同伴，会成为腹中的最后晚餐，还是成为相互依存的续命稻草，人性一次次沦陷，再一次次警醒，在绝望中痛苦的挣扎，都是为了梦想而不灭的希望。

穷小子的内心无限渴望，姑娘无心的一个笑脸也能够当作爱情。盼不到的梦想与眼前的自作多情究竟哪个更值得相信，生活中总得有个念头吧，于是小伙子选择了爱情。为此而辛苦，为此而等待，多么超值的生活，哪怕到头来发现这一切原来是一场空。上帝与我们、拍戏的与看戏的，都不希望这个世界是没有转机的，小伙子用餐叉舞动着面包，发自内心的真情，最终获得了姑娘的芳心。

淘金者，大胆解释一下，在孤独无望的异客他乡寻觅相依相靠的人，在穷苦辛劳的生活中寻找精神灵魂的寄托。卓别林扮演的那个倒霉蛋不就是我吗，不就是所有与我一样拥有梦想却不知所终在外漂泊的人吗。

这两天我一直都在看捷克作家赫拉巴尔的文集，他曾非常自豪地称卓别林是他的榜样，他既是一个乐观的悲观主义者，又是一个悲观的乐观主义者。这个八十四岁的老人最后以坠楼的方式了断残生，“我已经做了我该做的一切，那么，我还呆在这里干吗呢，如今一切都无所谓了。”我相信，这是一个典型的喜剧，以死而告终，而整个过程，扰人一生。

影片的结尾，小伙子又有了钱，又得到了期待中的爱情。我不喜欢这样纠缠不清的光明尾巴，我只希望能得到应得到的一切，笑对人生。

叙事：
小不点出场（流浪淘金），大吉姆出场（发现金矿），暴风雪都躲进通缉犯小木屋，大吉姆用强留下。没食物通缉犯抽签输了出去找，打死警察发现金矿。大吉姆饿疯差点把小不点吃掉。大吉姆去金矿被通缉犯打晕，通缉犯摔死山谷。大吉姆醒来失忆。杰克乔琪娅出场。小不点到镇子。舞厅遇乔琪娅，乔为了气杰克邀请小不点跳舞。小不点找到住处。乔与女伴们玩偶然来到小不点住处，屋内取暖捉弄小不点。小不点为准备招待铲雪赚钱。新年夜独自等待，做梦跳面包舞。乔与杰克和伙伴们在舞厅过新年，想起让小不点准备的晚餐，商量一起再去捉弄他。到了后发现小不点不在，看到他的精心准备，与杰克生气。大吉姆来到小镇，忘了金矿位置。乔在舞厅写道歉信给杰克，杰克不当回事还用此来继续戏弄刚来的小不点。大吉姆来到舞厅，发现小不点，带他去找金矿。两人来到小木屋，暴风雪把小屋刮到悬崖，两人差点掉下去，逃出后发现金矿。成为百万富翁的两人在船上巧遇乔琪娅，又抱得美人归。

戏剧性及喜剧性处理：
通过主人公小不点的流浪遭遇（吃皮鞋、差点被吃等）和感情上被戏弄（被利用来气杰克、被捉弄、空欢喜、准备晚餐、做美梦等），然后发现金矿并抱得美人归，实现观看心理的压抑和延后满足。
用戏剧性和喜剧性将一个庸俗故事处理得有感染力，是卓别林的技巧。
主人公的发财线是通过和大吉姆这个人物实现，在这条线上设计了通缉犯小木屋来让两人相遇相处，并让大吉姆失忆、寻找、再遇小不点，最后通过悬崖小屋戏来完成，设置了充分障碍，一波三折；
主人公的爱情线是通过和乔琪娅这个人物实现，在这条线上设计了杰克来让乔琪娅有机会和小不点认识，并不断在戏弄他中发现小不点的爱，杰克和小不点对乔琪娅的态度也形成对比，既让观众在情感上更加代入认同主人公，也让乔琪娅对小不点的感情态度有了变化依据。
这两条线的戏剧性设置都是在a-b，a-c的人物关系之外再加以d，e形成a-b-d，a-c-e的三角矛盾以制造丰富的戏剧冲突。
而每一场冲突戏的喜剧化处理不仅增加观赏度，也让冲突有了喜剧性解决（41:50钟砸下来），推进故事在轻松幽默的氛围下发展。

开场的背景介绍和几个全景交代了故事时代背景和现实真实感，随后的主人公出场却用夸张的步态装束和动作表演以及狗熊尾随不知的情境透露了本片的喜剧态度：现实困境和危险都会在主人公的轻松态度下消解。
吃皮鞋戏里认真仪式感的态度，拿鞋底当牛排、鞋带当面条、鞋钉当排骨的吃法表演营造强烈视觉信息反差和大吉姆反应的对比来达到喜剧感。
大吉姆幻想小不点变鸡的戏，其实是很有现实残酷悲剧色彩的，但卓别林用人物行为动作的夸张喜剧效果和后来的熊使冲突有了喜剧性解决将残酷性削弱，让喜剧也有了更深的讽刺和玩味。
从33:40开始的不断误会，利用观众全知视角，把主人公放在情感漩涡中越陷夜深，观众的代入感也越来越强，同情心也不断被激发，片尾的吻也就成了这种观影情绪的累积释放。
35分开始的捡照片到跳舞戏中有个流浪汉的观察和反应，他相当于观众心理的一个投射人物，反应出对男主艳遇的惊讶，强化戏剧性表现。
52分的情感宣泄和1:02的情绪低落（和梦里的面包舞形成戏剧性反差），让观众被强烈的情绪渲染（夸张行为、音乐、交叉剪辑的对比，友谊地久天长这段还有个情绪营造和传递的手段），达到对主人公遭遇的同情和情感上的认同。
全片的情绪安排非常巧妙，悲喜交加（1:02唱完伤感后又欢快跳起来后面马上又口琴吹起在外面看着室内热闹的孤独主人公），紧张和轻松交替（小屋脱险），跌宕起伏，牢牢控制住观众心理和注意力。

        不需专门去撸电影史或是导演传记，只要把最基本的电影语言书一过，即可会出卓别林这部作品在电影史上承先启后的意义。
        已知卓别林舞台剧出身，小丑最当行，联系起来即可肯定，这部电影的结构和动作都还是很戏剧的。冰原小屋、小镇舞厅、好心人木屋、小镇舞厅、好心人木屋、冰原木屋、轮船，总计就这几处场景，所以整部电影就是一部多幕戏剧。在每一幕，都是静止的封闭空间，一如话剧；仅有的街上、野外的段落，其实也是发生在舞厅门前、店面门前、好心人木屋门前，也就是说，并没有运动的镜头。同时，也很容易发现，除小镇舞厅这座稍复杂的公共建筑，有其360度的内景全景以外，两座木屋都只有半边：人物面朝我们，我们只看到的房间的一半—— 戏台上的布景，正是这样。动作方面，情节转折性的动作往往只是一次性的，而坏蛋驱赶夏洛、坏人与大个儿夺枪、夏洛假装冻僵好心人越摇他他装得越僵、大个儿饥饿致幻追逐夏洛……到最后雪原木屋在悬崖之上反复跷跷，大个儿与夏洛在其中折腾，—— 都是一再重复的、夸张的动作，正是这些rounds构成传统喜剧的笑点。
       但是莫以为卓别林就是把自个儿的喜剧，录像下来成了电影而已。举一个例子：夏洛、坏蛋、大个儿和夏洛困守木屋，饿得眼珠子都要陷下去；大个儿提议抓阄，谁摸到的扑克牌点数小谁就出去觅食，说着他就摸出了一个K；夏洛跟着伸手，一看，却是个3。他大怒，把牌一摔，转身背过去，没想到马上坏蛋就摸出个2，他瞅见，大喜，这下没什么心思了。但是从这个3到那个2，连他瞅见到大喜在内，总计10秒钟，放慢镜头看，其实是这样的：摔牌、转身、背对我们、一步跨到床前——我们以为他就要顺势倒在床上了，没想到接着就看到他伸手，——伸手够到墙上挂着的帽子，接着戴上就拂他的袖口，整领子，——这是要出门的节奏。
      这个小小的细节足以令人感动。充分说明了这个小人物，是随时有承担责任的觉悟的，不管情愿不情愿，好运还是倒霉。仅仅几秒钟他的怒火就撤掉，但是并不是不敢不去的怂，——他还在那整衣袖呢。这几秒钟内的精彩内心，是在戏剧里出不来的：只要没有声音、没有台词，只能不显。但是在电影里，卓别林已经意识到电影动作的四两拨千斤。
      虽然影片里的布景之简陋（或者说基本），跟舞台道具没差；但相比绝大多数剧情只发生在一个平面上的戏剧而言，电影里的空间关系就可以发挥得大多了。这里只举一个例子：小镇舞厅的楼梯，和轮船上的甲板梯，卓别林场面调度中最经典的一笔。
     小镇舞厅是一个一层半高的空间：地上就是舞厅，楼梯上到夹层，是休息的茶座，Georgia累了就上来休息。从她为了气那个帅比，挑中最怂的夏洛跟她跳舞，完了半是解恨半是逗他的，把头顶掉下、夏洛捡起的花，就送给了夏洛，自己上楼休息，之间还拒绝了帅比又一次的不懈调戏，——从那时起，夏洛同Jack的两次对峙，就都围绕这楼梯。说得更具体些：都发生在这楼梯间门前。第一次是夏洛手捧着鸡毛就当令箭了，守在楼梯口为Georgia挡驾，在楼梯口跟纠缠不休的帅比打架；第二次是Georgia辜负了夏洛准备的盛宴，留了留言条托侍者看到夏洛给他：她在二楼等他，夏洛满舞厅找她，找来找去都不知道在哪，帅比还故意伸腿绊他，——还是在楼梯间门前。最终夏洛是见着了她，但并不是走的楼梯，——自始至终，我们都不知道楼梯间里是啥样。显然，楼梯表明，直到这时，Georgia都是高高在上的，而且常规的途径对他也是不开放的。
      但是到了轮船上，就正好一个翻转：夏洛从甲板梯上滑下去摔到甲板上，才被已经卷起铺盖卷回老家的Georgia意外发现。这时俩人身份已经是天差地别。毫不意外的，最后一幕，他，她，男仆，记者，乘务，就都围绕在这爬梯前发生。这爬梯就是他的财富。最后一个圈出镜头，俩人手牵手走上爬梯，the happy ending，令我想起《西北偏北》最后的那个火车钻隧道。当然，希胖那个镜头露骨得多：但你要让查理做，也一样来得。
       这部电影今天再看不免有些老了，但是很值得。尤其虽然胡子、睫毛都很小丑，眼神还是遮不住的。尤其是51：27-34的那一个，击中了我内心中最柔软的那个角落。
       感谢查理。

    在默片时代，演员们无法通过口吐莲花来传达表演意图，只能把情感和思想透过手势、动作、面部表情和肢体语言进行外化，从而弥补那时的电影这门艺术的无声的“缺点”。 因此，在默片时期，有些喜剧演员便始终只是一味踢打胡闹，其塑造的人物没有任何重要的性格特征，噱头庸俗无聊，除了刻意引人发笑外没有其他作用。
    而著名喜剧大师查理•卓别林通过多种多样的电影手段，最大限度地把喜剧从舞台或杂技场的时空束缚中解放出来，那些落入俗套的喜剧片电影工作者们的名字和影片只在观众视野中蜻蜓点水般出现了一瞬便消失了，而卓别林却名留青史，他的鼎鼎大名不仅在电影圈中广为流传，连普罗大众也被他的影片吸引着。正如法国电影理论家安德烈•巴赞在《电影是什么》中说的那样：“尽管夏尔洛是在游艺场学校里培养出来的，但他却不去取媚观众，而将喜剧净化了。他对简洁和有效的要求，使嚎头尽可能地简练到明白易懂。”
    在卓别林的影片中，话语向来是用手势、动作来代替的，比如《淘金记》中，他没有用字幕来表达他因女主角及其闺蜜们的来访而如何如何开心，而是用叉子叉住了两块面包在桌子上来了那段著名的 “面包舞”。今年三月，著名香港导演杜琪峰携他的金牌编剧韦家辉奉献给内地观众的“北上”之作《单身男女》中，高圆圆就来了这样一段类似的舞蹈，不知杜琪峰是否有向大师致敬的意图，如果是的话，可以毫不客气地说，这次致敬是失败的，非但没有达到卓别林的效果，反而给人带来了女主角刻意“卖萌未遂”的嫌疑。
    当然，这部影片并不能说明卓别林的滑稽美学没有为一些伟大的作品提供灵感，比如说，在费里尼的《大路》及罗伯托•贝尼尼的《美丽人生》里，多多少少都能看到卓别林对其他电影大师带来的影响。
    谈到卓别林的时候，我们不免会用到一句“笑中带泪”，在他的影片中，喜剧和悲剧的成份就是这样趋向混合，不容质疑的是，除了滑稽效果的营造之外，卓别林艺术的伟大是和他的现实主义的深邃紧密相联的。
    另外，卓别林总是通过精心构思的夸张的表情和手势，来表现人物丰富的内心和独特的个性。在他的《淘金记》中，一顿菲薄的饭菜被当做一餐珍馐，卓别林改造了靴子、鞋钉和鞋带的真实属性，找到了它们与鱼、鸡骨头和通心粉的共同之处，这恰好与爱因汉姆推崇的隐喻性的表现法不谋而合，因此，在爱因汉姆的《电影作为艺术》中，卓别林便成为了他列举“内心化”表演的最佳范例。
    所以说，卓别林的喜剧，不是简单的插科打诨，而是通过深入体验生活之后用喜剧形式表达的自己关于现实的思考，也许这也与卓别林童年的经历有关，他儿时就曾为了帮母亲“救场”而登上过舞台，从此便开始了演艺生涯。大家都知道，一个人儿时发生的事情，将会对TA的一生产生重大的影响。那么，引申开来，我们不难得出一个结论——所有电影导演的作品也总会渗透着自己生活经历甚至学历背景，这也告诉我们，当我们分析一部影片的时候，不要一味听信所谓“导演阐述”，因为导演是可能会出于各种各样的原因而不自觉地说谎的，看导演的成长经历及其另外的影片才是最靠谱的事。